lunes, 29 de noviembre de 2021

Curso locas-musas-genias en el Círculo de Bellas Artes

Conversaciones sobre la locura, la violencia, la visibilidad y los buenos tratos

Este curso surge con la idea de nombrar a aquellas que casi nadie nombra, pero de las que todas hablan. Hablar de aquellas de las que todos saben pero que casi nadie conoce verdaderamente. Presentar sus obras en pantalla grande y desmenuzarlas. Traer a sus estudiosas y subirlas a la tarima para que hablen de ellas, resolviendo interrogantes que nos alejen de los tópicos. Queremos conocer el relato de las expertas: cómo las han intuido, cómo las han estudiado y qué es lo que han visto en ellas que sea obligatorio mostrar.

Escogiendo siete biografías paradigmáticas, analizar su obra y biografía para que sean pensadas, leídas, admiradas y, sobre todo, se conozcan sin la capa de prejuicio con la que se han ido velando a lo largo de las décadas. Hablar sobre ellas y pensar sobre ellas. Traer el pensamiento de lo que escribieron y crearon al momento presente. Desmontar el estigma de la mujer loca, elevando sobre esa imagen de la locura la capacidad de crear, para evitar ser sometida bajo la imagen de la musa. Contemplar si es imprescindible que el genio vaya irremisiblemente asociado a una cierta locura. Observar que las mujeres han sido excluidas del lugar de la genialidad. Percibir por qué el buen trato ha estado tan ausente a pesar de su reclamo.

Poner la atención en esas situaciones que han vivido las mujeres que dedicaron su vida al arte y se enamoraron de otro artista: el autor, a través del amor romántico, logra que ellas acaben convertidas en ayudantes de taller, madres de los hijos, amanuenses, relaciones públicas y en todo aquello que conforma la figura de la musa, provocando en el imaginario colectivo un sutil mecanismo, terriblemente poderoso, a través del cual, ellos, los artistas varones, devienen en seres geniales, en mitos culturales e iconos de su generación, y ellas desaparecen de la historia como seres individualizados. Atender también a la locura en aquellas mujeres artistas que se vieron afectadas por ella. Repensar cómo el tratamiento es diferente en función del sexo/género y, cómo, si al conflicto mental se le suma el ser mujer artista, fácilmente, el precio de la trasgresión será más alto y, en consecuencia, más castigado.

Monika Rühle participa en la charla sobre Käthe Kollwitz junto a Marian López Fernández Cao y Pilar V. de Foronda, el 10 de diciembre 2021, presentando además una performance junto a Mamen Agüero titulada K.Ä.T.H.E. que forma parte del espectáculo homónimo estrenado en junio en la Sala DT Espacio Escénico de Madrid. 

Más información e inscripción

CURSO APLAZADO!!!


Programa

9 de diciembre | Camille Claudel (1864 – 1943)

María López Fernández y Pilar V. de Foronda

La historia se repite y Camille Claudel es una de las muchas artistas que ha pasado a la memoria colectiva por su biografía sentimental y no por su obra. Deconstruir la parte que existe de leyenda en la vida de Camille Claudel para poder tener acceso a su obra en todo su potencial, aun a pesar de lo paradigmático de su caso: no cumple los mandatos de género (adquiriendo la condición de artista maldita prácticamente en vida), y es ingresada y recluida en un psiquiátrico los últimos 30 años de su vida, con el diagnóstico de paranoia y delirios de grandeza.


10 de diciembre | Käthe Kollwitz (1867 – 1945)

Marian López Fernández Cao y Monika Rühle

Pintora, escultora, grabadora, escritora y pacifista. Figura clave de la Secesión de Berlín, una de las artistas más originales y novedosas de su tiempo, de las más importantes del Realismo Crítico de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX. Su realismo social le hizo mirar el dolor, la miseria, la tristeza, esas emociones que causan la desigualdad social, a la búsqueda de una representación que lograra reflejar un profundo contenido espiritual. En los diarios que escribe durante su depresión, se percibe la gran emocionalidad y la honestidad con la que muestra su motivación artística, sus dudas sobre el arte y sobre la vida.


13 de diciembre | Sonia Delaunay (1885 – 1979)

Semiramis González y Marta Ruíz Del Árbol

Sonia Delaunay, nacida Sarah Stern, es por derecho uno de los nombres propios del arte abstracto. Antes de asentarse en la abstracción, fue fauve y cubista. Destacó, como artista polifacética, por sus estampados textiles y sus diseños de moda. Junto a su marido Robert, fueron un ejemplo de trabajo cooperativo, crearon el simultaneísmo y el orfismo, y fueron pioneros de la plástica publicitaria con sus anuncios de tubos luminosos. En 1941, cuando Robert fallece, Sonia Delaunay continúa con su carrera creativa, siempre multidisciplinar y en la vanguardia, a la vez que difunde la obra de Robert. En 1964 fue la primera mujer artista viva en ser objeto de una retrospectiva en el Louvre.


14 de diciembre | Dora Maar (1907 – 1997)

Victoria Combalía y Mª Ángeles Cabré

Dora Maar, nacida Henriette Teodora Markovitch, pionera de la fotografía, estudió en una de las escuelas más liberales del París del momento y a los veinte años frecuentaba la Academia Jullian y el taller de André Lhote. Su autobiografía y su obra se entrelazan: lo que acontecía en su vida personal se reflejaba en sus trabajos. Formó parte del grupo de los Surrealistas y fue autora de una de sus imágenes más icónicas: Portrait d’Ubu. Sus fotografías reflejan mundos inéditos. La carrera de fotógrafa de Maar quedó paralizada al comenzar una relación con Picasso; cuando ésta finalizó Dora Maar padeció trastornos psicológicos. Finalmente se dedica a la pintura, con una vida bastante retirada.


15 de diciembre | Leonora Carrington (1917 – 2011)

Amparo Serrano de Haro y Jana Pacheco

Leonora Carrington fue irreverente y díscola desde el principio. Nacida inglesa, se nacionaliza mexicana en 1942, después de todo un periplo por una Europa en guerra que le lleva a ingresar en el psiquiátrico del Doctor Morales en Santander. Esta experiencia, que narra tanto en su obra pictórica como en la literaria, es de una riqueza excepcional y absolutamente destacable dentro de la corriente surrealista, y da la medida de su fortaleza como ser humano y de su grandeza como artista. Supo elegir su espacio y sus historias propias, separándose de la línea oficial marcada por los surrealistas.


16 de diciembre | Diane Arbus (1923 – 1971)

Rocío de la Villa y Oliva María Rubio

Diane Arbus, nacida Diane Nemerov, fotógrafa conocida por sus inquietantes y extraños retratos y por la poco convencional elección de sus temas. Llamaba a sus modelos freaks, por la película de Tod Browning, pero les consideraba la aristocracia de la humanidad. Murió sin dejar nota de despedida en 1971, poniendo punto y final a una depresión, con somníferos y cuchillas de afeitar, a los 48 años. Acabó con su vida, pero dejó una obra que anticipaba modos de ver, de mirar y de observar la otredad: la diversidad humana que nos rodea. Nadie como ella supo reflejar la diferencia a través de la cámara.


17 de diciembre | Kate Millett (1934 – 2017)

Nora Levinton y Dau García Daudier

Millett es una de las escritoras y activistas más relevantes del feminismo, teorizando sobre el origen del patriarcado y describiendo el amor como el opio de las mujeres. Su activismo feminista es sobradamente conocido a través de Sexual Politics y toda su trayectoria vital. Su activismo anti psiquiátrico no se conoce tanto, pero quedó por escrito y, de reciente traducción al español, está viéndose ahora revalorizado. En lo que es una gran desconocida es como artista plástica y, más concretamente, como escultora. Poner en valor todas sus sabidurías, que ella plasma y defiende en su literatura, es destacar a una de las figuras más relevantes de los cambios sociales acaecidos en el siglo XX, como son los protagonizados por el movimiento de mujeres.


Fecha: 09.12.2021 > 17.12.2021, Hora: 18:30 a 20:30

Dirigido por: Pilar V. de Foronda

jueves, 30 de septiembre de 2021

SLIT de gira por Madrid en Sala Tarambana

SLIT de Proyecto Obs-cenus en Sala Tarambana Madrid, 1 y 2 de octubre 2021

SLIT, estrenada en el TEM (Valencia/España) en febrero de 2020, es una de las piezas en que se concreta la investigación del Proyecto Obscenus de la investigadora y creadora de Artes Vivas, Anna Albaladejo (Valencia 1976). El Proyecto Obs-cenus es una exploración performativa de biografías eróticas e identidades sexuales que proyecta el placer de las mujeres como una forma de resistencia.

SLIT es seguramente la pieza más personal del proyecto, concebida como una AUTOSEXOGRAFÍA de la creadora, un viaje por su MEMORIA ERÓTICA, íntima y familiar, un STRIPTEASE EMOCIONAL.  Una narración escénica y audiovisual que se formula a través de la palabra, el cuerpo, la música y el video en directo, revisitando los iconos del deseo y las sucesivas construcciones/represiones del imaginario de la sexualidad en nuestras sociedades.

Un trabajo personal e íntimo para el cual la creadora ha contado con un equipo de mujeres artistas que han contribuido con sus recursos: Monika Rühle en la Creación Audiovisual, Espacio escénico, Fotografía y Diseño gráfico, Vicky Trillo en la Creación Musical y Jrisa Lialia en la Creación Lumínica, además de Maribel Bayona o Raquel Fonfría que han colaborado en la dirección, las coreografías y el desarrollo técnico. Y muchas más colaboradoras puntuales que han aportado sus recuerdos, reflexiones e imágenes al proyecto.

Porque SLIT, mucho más que una pieza personal, pretende ser una propuesta de diálogo con las vivencias afectivas y sexuales de los espectadores/as para reapropiarnos de la historia del placer que nos pertenece a las mujeres y a todos los seres humanos



miércoles, 22 de septiembre de 2021

Sorginak! - ¡Brujas! en Eibar Portalea Kultura Etxea, exposición colectiva de EmPoderArte

Sorginak! - ¡Brujas!    Itnerancia Eibar (País Vasco)   Portalea Kultura Etxea

Del 24 de septiembre al 24 de octubre de 2021

La Europa del siglo XV al XVIII sufrió profundos cambios políticos y sociales con la formación de estados, la apropiación de las tierras y la creación de la propiedad privada, las revueltas del campesinado, la guerra de religiones… En este contexto de gran crispación, las mujeres  fueron perseguidas y acusadas de brujería, de practicar magia negra, de estar endemoniadas. Todo esto creó un clima de terror.

Generalmente eran mujeres que hasta entonces habían ejercido como curanderas, parteras, hechiceras, o bien aquellas que tenían el usufructo de las tierras. Muchas eran mujeres solas, viudas, sin hombre, indómitas y rebeldes. Las acusaciones se vertían desde intereses personales que se sumaban al delirio colectivo. Se calcula que aproximadamente 250.000 mujeres fueron acusadas de brujería, y si bien no todas fueron quemadas, la gran mayoría sufrieron vejaciones y torturas. Ninguna mujer estaba a salvo. Fueron el chivo expiatorio y elemento aleccionador para el resto de la población, y germen del nacimiento del capitalismo.

Silvia Federici en su libro Caliban y la bruja muestra como el capitalismo necesita del patriarcado para poder mantenerse. Es obvio que el capitalismo nunca hubiera triunfado sin todo el trabajo gratuito que hacemos las mujeres. Es en el S XV que las élites de poder empiezan a parcelar la tierra común para hacerse ilícitamente con su propiedad. Los campesinos, hasta entonces un engranaje más de la producción de bienes para la comunidad, se convierten en asalariados de las élites. Las mujeres son relegadas a funciones enfocadas en mantener la infraestructura del hogar y criar a los hijos, es decir, crear la situación perfecta para que el nuevo trabajador rinda lo máximo a su empleador. 

EmPoderArte AIMA, asociación sin ánimo de lucro que desde 2014 realiza exposiciones dando visibilidad a las mujeres dentro del mundo del arte, reclama la igualdad entre hombres y mujeres, y denuncia la violencia machista. 

En la vídeocreación ¿Cuántas brujas somos? Monika Rühle quiere dar visibilidad a mujeres de todos los tiempos, libres, sabias, con inquietudes, pensadoras, comprometidas, creativas, activas, con personalidad y necesidad de expresarse, no sometidas al sistema imperante marcado por el poder masculino y machista. Las voces masculinas que se escuchan, enumeran todo tipo de sinónimos y descripciones de la palabra “bruja” a modo de insulto. 

Más información sobre la exposición

Portalea Kultur Etxea, Bista-Eder Kalea, 10, 20600 Eibar, Gipuzkoa.

De Lunes a Sábado, de 9:00 a 20:30 horas.


lunes, 12 de julio de 2021

Se estrena Las Edades de la Vida, un concierto de ASTRUMM con danza y visuales en la Sala Tarambana de Madrid

Este proyecto es un viaje alegórico a través de la espiral Zodiacal, invitándonos a conectar con las energías elementales y disfrutar de las emociones esenciales de la vida a través de la música en directo, la danza, el arte visual y la poesía.

 
ASTRUMM: Rodolfo Mantje (instrumentos de viento), Miky Moreno Paniagua (percusiones), Pablo del Fresno (guitarra, teclado)

Vídeos y diseño de iluminación: Monika Rühle

Danza y patines: Laura Roller

Danza: José Rodríguez

Performance: Marta Ariño

Dirección y composición: Rodolfo Mantje

Producción: La Casa Colorada


Ver teaser de Monika Rühle

Estreno en Sala Tarambana/ Madrid: miércoles, 14 de julio 2021 a las 20 horas.

Entradas

lunes, 5 de julio de 2021

K.Ä.T.H.E. en #DT EspacioEscénico, algunas fotos

Nuestro paso con K.Ä.T.H.E. por DT Espacio Escénico fué muy gratificante. En el hall se pudieron ver los dibujos a carboncillo que realicé para varios vídeos y se proyectaron a la entrada del público los 32 dibujos y grabado de Käthe Kollwitz en los que se basa la coreografía que realizamos Mamen Agüera y yo varias veces durante la obra. El momento escaparate para empezar la obra es muy intenso y requiere toda la concentración. Estamos sentadas cada una en una silla mirando a la calle y las espectadoras nos observan desde fuera. Con el ritmo del metrónomo coordinamos nuestros movimientos y es muy gratificante cuando estamos totalmente coordinadas, incluso cuando estamos en diferentes momentos queda bien.


El momento harina, es el que más me gusta de la obra. 

K.Ä.T.H.E. me reconecta con mis raíces alemanas, con el expresionismo que me marcó en mis inicios y con un compromiso social esencial. Significa traer sus dibujos a la actualidad y comprobar que siguen vigentes y conmueven igual como hace 100 años. Su lucha a favor de los más desfavorecidos y en contra de la guerra es de actualidad y nos inspira ahora.


En plena pandemia somos conscientes de nuestra vulnerabilidad como especie y del sufrimiento causado por la explotación sin límites de un sistema cruel. Los conflictos bélicos no cesan y provocan migraciones a menudo con efectos fatales, causando muerte, miseria y desesperación. Käthe Kollwitz la retrataba muy bien y no paraba de llamar la atención sobre las mujeres y sus hijos e hijas, las que no luchaban en el frente, pero sufrían la guerra y el hambre.


Idea y coreografías La Reina Madre (Mamen Agüera), Cuerpos escénicos y creadoras Monika Rühle & Mamen Agüera,  

Espacio sonoro Daniel Salamanca, Vídeoescena, escenografía, teaser, diseño gráfico y voz en off en alemán Monika Rühle, Producción The Little Queens y La Casa Colorada Producciones, 2021.



Y la escultura de la Pietá al final de la pieza.

Las fotos son de Lucas Calvache, @la.lu.cas

martes, 1 de junio de 2021

K.Ä.T.H.E. en #DTespacioEscenico

K.Ä.T.H.E. es una reflexión sobre la figura de Käthe Kollwitz, desde la performance y el movimiento.

VER TEASER K.Ä.T.H.E.

Käthe Kollwitz, una artista alemana nacida en 1867, muy reconocida internacionalmente, creaba desde un fuerte compromiso social, sobre todo en blanco y negro, dibujos y grabados. Me inspiró mucho al comienzo de mi camino creativo, sobre todo con sus dibujos y xilografías. Y recientemente, después de pasar por diferentes lenguajes artísticos como la vídeo-creación, la performance y las instalaciones, he vuelto a grabar, a realizar linóleos de gran formato y a disfrutar de la crudeza y sinceridad del blanco y negro. La invitación de Mamen Agüera a participar en este proyecto vino en el momento preciso. 

K.Ä.T.H.E. me reconecta con mis raíces alemanas, con el expresionismo que me marcó en mis inicios y con un compromiso social esencial. Significa traer sus dibujos a la actualidad y comprobar que siguen vigentes y conmueven igual como hace 100 años. Su lucha a favor de los más desfavorecidos y en contra de la guerra es de actualidad y nos inspira ahora.

En plena pandemia somos conscientes de nuestra vulnerabilidad como especie y del sufrimiento causado por la explotación sin límites de un sistema cruel. Los conflictos bélicos no cesan y provocan migraciones a menudo con efectos fatales, causando muerte, miseria y desesperación. Käthe Kollwitz la retrataba muy bien y no paraba de llamar la atención sobre las mujeres y sus hijos e hijas, las que no luchaban en el frente, pero sufrían la guerra y el hambre.

Idea y coreografías La Reina Madre (Mamen Agüera), Cuerpos escénicos y creadoras Monika Rühle & Mamen Agüera,  
Espacio sonoro Daniel Salamanca, Vídeoescena, escenografía, teaser, diseño gráfico y voz en off Monika Rühle, Producción The Little Queens y La Casa Colorada Producciones, 2021.

estreno 3, 4, 5 de junio 2021 DT Espacio Escénico Madrid.

La Revista Lo que somos escribe sobre K.Ä.T.H.E.: Se avecina, se viene, nos presentan un homenaje a Käthe Kollwitz… Pintora, escultora, escritora, grabadora… humanista, feminista, pacifista. Una mujer que vivió dos guerras y en ambas perdió a un ser querido, a su simiente: a su hijo y a su nieto. Fue una de las figuras más importantes del realismo crítico alemán de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX, figura clave de la Secesión de Berlín. Se pasó de la pintura al grabado, técnica que le permitió mayor expresividad y dramatismo. 

Käthe, xilografía, blanco y negro, niñas, virutas, tórculo, muerte, grabado, manos, manos que hacen, manos que posan, punta seca, mujeres…

El homenaje a Käthe es una creación de Mamen Agüera y Monika Rühle.

Monika Rühle Linares es artista visual y realizadora de documentales, escenógrafa y figurinista, performer y vídeo-creadora. 

Mamen Agüera, bailarina y artivista que desde el lenguaje de su cuerpo nos expresa sentimientos y emociones, infunde movimiento a lo quieto y agita el patio de butacas. Tinta, Peter, hambre, manos que abrazan, litografía, comunismo, resina, suciedad, Berlín, pacifismo, autorretrato, hijos muertos, carboncillo… Mamen nos avanza las ideas de esta creación: “Nosotras utilizamos sus obras y parte de su vida como una gran excusa para adentrarnos en lo que significan los cuidados, poner la vida en el centro; y en la pobreza, que rodeó a Käthe Kollwitz y a toda esa época de entre guerras, y la que ahora mismo nos concierne tras haber pasado una guerra —vírica, pero guerra—. Gracias a todo su trabajo, sus xilografías y grabados en blanco y negro, nosotras ofrecemos una muestra estética, también en blanco y negro, donde jugamos con las depresiones y altibajos de la vida de Käthe, junto a lo que muestra en sus obras”.

SALA #DTEspacioEscenico

PARA SACAR ENTRADAS

lunes, 17 de mayo de 2021

entrevista a Monika Rühle de parte de alumnes de diseño de la UCM


Cuando Ana Abad Ruiz de Velasco, estudiante de 3º curso del Grado en Diseño en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, me contacta y me entrevista junta a sus compañeres Lucía Heras y César Burgui Jiménez, sobre mi trabajo en el ámbito de la escenografía, sale esta conversación en mayo de 2021.

Es un repaso de mis trabajos teatrales desde los años 90 hasta la actualidad....

jueves, 13 de mayo de 2021

Con el vídeo Sinfonía para un nuevo mundo recordamos #AcampadaSol hace ya 10 años

#AcampadaSol en su momento inicial y de esplendor, lleno de esperanza, ideas revolucionarias y propuestas políticas. En una entrevista a Yolina, integrante del movimiento del 15M, se percibe la gran capacidad de organización, respeto, libertad y potencial revolucionario de la acampada Sol. Sus propuestas innovadoras siguen vigentes y están esperando a ser puestas en marcha por la sociedad.

El movimiento #15M sigue siendo inspiración y está absolutamente vigente.

Documental realizado y editado por Monika Rühle, con música de Yanira y producido por La Casa Colorada en 2014.

lunes, 10 de mayo de 2021

Piel, carne y fluidos en Metropolis 2001... arte sobre el cuerpo con el vídeo Mi barriga de Monika Rühle

VER PROGRAMA Piel, carne y fluidos_ Metropolis febrero 2001

En el XX aniversario de la emisión del programa y con mi hija Lucas ya adulta y más grande que un carro... me encanta recordar ese momento... emocionada...

METRÓPOLIS aborda esta noche el tema del cuerpo centrándose en su fisicidad: 'Piel, carne y fluidos'. El programa se centra en una serie de trabajos recientes de artistas españoles y latinoamericanos que actualizan el concepto de cuerpo y revisan la corporalidad.

En la primera parte: Segunda Piel, analizaremos cómo algunos creadores desarrollan una "nueva dermis" construyendo trajes, vestidos, máscaras o prolongaciones... que les ayudan a comunicarse con el exterior y a mutar, o desvelar, su identidad.

Y en el segundo apartado, penetrando a través de los orificios que ofrece la piel, nos adentramos en la presentación abierta del cuerpo interior: Carne y Fluidos, que aun estando vinculado en la tradición a valores místicos y rituales, no deja de resultar aún tabú por su asociación con un mundo de instintos que nos recuerda nuestra "condición animal"; y nos aleja de esa concepción idílica humanista de cuerpo intelectual, cerrado y racional que la Historia ha construido a lo largo de los siglos.

La afirmación del "cuerpo en sí" en el arte de hoy (despojado de la carga política o social de otras épocas); sólo como amasijo de piel, vísceras, carne y sangre, reivindica un "cuerpo sensorial" que se relaciona con el exterior para sentir ...unas veces placer, otras veces dolor...; y pone de manifiesto el miedo reciente a diluir esas capacidades físicas en un mundo cada vez mas virtual. 

Por supuesto, las propuestas de los creadores que se presentan no son homogéneas; abarcan distintos campos y técnicas.

Fotografía, vídeo, escultura e instalación; y multitud de ángulos desde los que observar el tema; que van desde el concepto de "máscara" de Javier Pérez, que desvela la identidad más que ocultarla; pasando por la irónica propuesta de Nicola Costantino, que decora sus trajes de piel humana con orificios anales, ombligos o pezones; hasta la idea de "fluido corporal" como transmisor y comunicador de Alex Francés.

ARTISTAS PARTICIPANTES: 

Primera parte: Segunda Piel 

Javier Pérez, Dora García, Nicola Costantino, Maribel Domenech, Monika Rühle, Mapi Rivera, Jaume Parera, Paloma Pérez García.

Segunda parte: El cuerpo interior: carne y fluidos

Alex Francés, Itziar Okariz, Mabi Revuelta, Leticia Tomás, Paco Cao, Regina Carnicer.

Redacción Susi Blas.

La vídeo-creación Mi barriga de Monika Rühle se puede ver a partir del minuto 14.10 y visualiza la barriga de una embarazada creando el dibujo imaginario del feto que está en su interior.

Mi barriga de Monika Rühle, 1999, 6 minutos.


sábado, 8 de mayo de 2021

Crisálida_ vídeo resumen recién realizado

Un viaje a través de la historia personal de Marina y su búsqueda de identidad mediante la transformación, contado por personajes transhumanos, que representan su pasado y futuro, y recorren los diferentes espacios de su cerebro.

Cuando una voz en off introduce a la experiencia y pregunta: ¿te gustaría tener un hijo o una hija? se genera un mundo de expectativas.

Se transitan espacios simbólicos como una crisálida como lugar de transformación; la habitación de los sentidos, donde se visualizan los estímulos externos; un espacio blanco donde se materializa el dolor físico y psicológico mediante cirugías; y la maqueta de la ensoñación que alberga el ideal hacia donde se dirige el camino de su transformación.

Creación: Marina Cardo @_satanasa, Lucas Calvache @la.lu.cas y Monika Rühle @monika.ruhle, Producción: La Casa Colorada Producciones www.lacasacololrada.org. 2020. Espectáculo perfoteatrovisual transmitido por vídeo-conferencia.

Estreno: Festival VersiónOriginal, julio 2020, en DT Espacio Escénico, organizado por @la_fabulosa_cia, Duración 60 minutos.





domingo, 4 de abril de 2021

Touchless vídeo-instalación en Espacio Inestable Valencia

English version below

Touchless_ Investigaciones obscenas en tiempos de pandemia_ Proyecto Obs-cenus. De la conciencia de la imposibilidad de tocar, durante el confinamiento de la primavera 2020, surgió en nosotras un deseo profundo y arrollador de acariciar.

De este deseo nace Touchless: una serie de pequeñas piezas poético audiovisuales.

Vídeocreación_ Monika Rühle @monika.ruhle,  Espacio Sonoro_ Vicky Trillo @barralluire, Texto_ Anna Albaladejo @annaalbaladejo_, Producción_ La Casa Colorada, www.lacasacolorada.org, proyectoobscenus@gmail.com

Monika Rühle, Vicky Trillo y Anna Albaladejo que ya han colaborado en varias piezas escénicas y audiovisuales, se conmueven ahora ante nuevas preguntas: ¿Es posible la caricia, el abrazo en la distancia? ¿Cómo alimentar el conocimiento afectivo sin la experiencia del contacto físico? ¿Puede el arte alimentar nuestra epidermis?

Touchless se plantea como una video-instalación dedicada a estimular el sentido del tacto precisamente en la ausencia de este. A través de imágenes, sonidos y textos se trata de generar una experiencia sensorial, a veces metafórica otras metonímica, que pueda provocar en el espectador una caricia simbólica, una puesta en valor del contacto humano, de las relaciones interpersonales y el calor de sentirse rodeada de otras pieles que viven, sufren y desean cerca de nosotras.

Los vídeos generan un ritmo al aparecer y desvanecerse, envolviendo al público en una experiencia inmersiva que va más allá de la mirada. Para evocar las sensaciones cotidianas de la piel al sentirse acariciada por una suave melena, o el roce del tupido pelaje de un gato que ronronea, pero también la tersura de las hojas de una planta; la caída de las gotas de lluvia sobre nuestro cuerpo; las sábanas y toallas limpias que nos envuelven…

El espacio sonoro de touchless conecta los vídeos con nuestra memoria emocional y sensorial, acompañando a la inmersión en nuestro subconsciente, y nuestra corporeidad. Cosquilleando nuestro cerebro y sentidos en un viaje sónico a nuestro ser más primitivo y esencial.

El paisaje textual y sonoro de touchless acompaña la propuesta envolvente a través de textos breves que reflexionan sobre el acto de tocar desde diversas perspectivas y códigos de estilo (desde la objetividad científica de la física cuántica hasta la intimidad de la poesía y los afectos). Pero más allá de la reflexión conceptual, nos importa la palabra en su fisicidad, en su capacidad de abrir los poros, por lo que cobra especial importancia el montaje sonoro donde la superposición de capas, atmósferas, repeticiones, ritmos y silencios trata a su vez de emular el calor del contacto.

Primera presentación de Touchless, Espacio Inestable Valencia 25-28 de marzo 2021.

Monika Rühle _generadora de vídeos y performer, es de origen alemán, crea vídeo arte, documentales, performances, además de vídeo-escena, figurines y escenografías para teatro. Estudió Bellas Artes en Granada y Barcelona, escenografía (RESAD), diseño gráfico (TAI), edición y postproducción de vídeo (Imefe), cine documental (HDM El Submarino) y mapping (Mademotion) en Madrid, donde reside. Sus vídeos han sido emitidos en Metrópolis de TVE y proyectados en teatros, exposiciones y festivales de de arte y de cine. Su documental Diversos Lorcas que visibiliza una creación teatral con personas con discapacidad intelectual, recibió el segundo premio en el Festival Internacional de Cine FECIDISCOVI 2018. Fue seleccionada para los VII Encuentros de Creación en la Magdalena de la Red de Teatros Alternativos, donde conoció a Anna y Vicky. Monika dirige La Casa Colorada Producciones y trabaja habitualmente con el grupo teatral Contando Hormigas, que está formado por deficientes visuales, en 2018 dirigió con ellas Sibyla, que se representó en el Museo Reina Sofía y varios festivales. Monika ha acompañado plásticamente a creadores teatrales como Anna Mezz, Javier Yagüe, Ignacio Calvache, Laura Suárez, Oscar Villegas, Jesús Barranco, Fernando Soto, Claudio di Girólamo, Alberto Jiménez y Álvaro Lavín. Participa en las asociaciones EmPoderArte, Encuentros Artísticos Rurales EAR, La Casa Colorada, Mademotion, Extinction Rebellion y AVAM.                                www.lacasacolorada.org

Vicky Trillo _generadora de espacios sonoros y performer, es cantante, compositora, performer y creadora de ambientes sonoros, cuyos comienzos se esbozan dentro del blues, jazz, funk y soul. Desde 2005 se dedica a la investigación de procesos de composición basados en la improvisación para artes escénicas y medios audiovisuales. Ha realizado trabajos de paisajes sonoros y como intérprete con directores de teatro y danza contemporánea como Anna Albaladejo, Gabriel Ochoa, Natalia Fernandes, David Franch o Teatro de lo Inestable. En su último proyecto, su alter ego VickyLeaks, busca nuevas formas de composición y escritura, llevándola a la descomposición de la estructura musical basada en el bordón, donde se busca la esencia y la emoción pura que subyace en la expresión musical. Ha sido creadora residente en los Encuentros de Creación en la Magdalena de la Red de Teatros Alternativos en 2017; residente en OMI International Arts Center (Nueva York); y speaker en la sesión de Music Theater en IETM Valencia Plenary Meeting. En 2013 ganó el premio Música Abierta de la UNIA.          http://www.vickyleaks.net/

Anna Albaladejo _generadora de textos y performer, es licenciada en Arte Dramático por la ESAD (Valencia) y Doctora en Literatura y Teatro por la UV, desde hace años combino las facetas práctica y teórica entre dos geografías: España y México.   Mis últimos trabajos artísticos se articulan en torno a proyectos de investigación: el proyecto Obs-cenus que inicié en 2018 como doble residencia de creación (Encuentros de la Magdalena en la Red de Teatros Alternativos y Residencias de Creación del TEM. Ayuntamiento de Valencia), exploración que ha dado como frutos las piezas SLIT (estreno 2020 TEM) y Odet y las OTRAS (estreno 2019. Inestable), además de numerosos talleres y acciones para explorar el placer como un espacio para la resistencia; el proyecto Pobles en peu d’art, que desde 2017 trata de poner  en relación la memoria íntima con la historia colectiva y la exploración del medio urbano, en propuestas colectivas de site-especific en las pedanías de mi ciudad conocidas como Pobles de València; o el espacio Des del Barri que desde el TEM (Valencia) ahonda en dramaturgias de creación colaborativa como Temptatives d’un barri que recorda (2018) ganadora del Premio del Público en Festival Cabanyal Intim 2018, o Exercicis per la llibertat (2019).   Anteriormente, en mi faceta de creación escénica mis últimos trabajos han explorado la relación Audiovisual y Escena en piezas como Y si hablaran de nosotr@s (2015) o Visite Piso Piloto (2012), además de la indagación autobiográfica que siempre me ha acompañado, en trabajos como Reset y Castañuela (2010-2011) o Gest-accion. Fragmentos de un embarazo (2007). Siempre interesada en abrir la creación a la participación, tanto de intérpretes como de espectadores, y en las posibilidades de la Escena Expandida y el Teatro Documental.                          http://annaalbaladejocreacioninvestigacion.blogspot.com/

English version:

Touchless_ Ob-scene investigations in times of pandemia_ Project Obs-cenus. From the awareness of the impossibility of touching, during the confinement of spring 2020, a deep and overwhelming desire to caress arose in us. Touchless was born from this desire: a series of small audiovisual poetic pieces.

Videocreation_ Monika Rühle @ monika.ruhle, Sound space_ Vicky Trillo @barralluire, Text_ Anna Albaladejo @annaalbaladejo_, Production_ La Casa Colorada, www.lacasacolorada.org, projectobscenus@gmail.com

Monika Rühle, Vicky Trillo and Anna Albaladejo, who have already collaborated in various scenic and audiovisual pieces, are now moved by new questions: Is caressing, hugging from a distance possible? How to nurture affective knowledge without the experience of physical contact? Can art feed our epidermis?

Touchless is proposed as a video-installation dedicated to stimulate the sense of touch precisely in the absence of it. Through images, sounds and texts, the aim is to generate a sensory experience, sometimes metaphorical at other times metonymic, that can provoke a symbolic caress in the viewer, an enhancement of human contact, interpersonal relationships and the warmth of feeling surrounded of other skins that live, suffer and desire close to us.

The videos generate a rhythm as they appear and vanish, enveloping the audience in an immersive experience that goes beyond the gaze. To evoke the everyday sensations of the skin when being caressed by a soft mane, or the brush of the thick fur of a purring cat, but also the smoothness of the leaves of a plant; the fall of the raindrops on our body; the clean sheets and towels that wrap us ...

The touchless sound space connects the videos with our emotional and sensory memory, accompanying the immersion in our subconscious, and our corporeity. Tickling our brain and senses on a sonic journey to our most primitive and essential being.

The textual and sound landscape of touchless accompanies the enveloping proposal through short texts that reflect on the act of playing from different perspectives and style codes (from the scientific objectivity of quantum physics to the intimacy of poetry and affections). But beyond conceptual reflection, we care about the word in its physicality, in its ability to open pores, which is why the sound montage takes on special importance where the superposition of layers, atmospheres, repetitions, rhythms and silences deals in turn to emulate the heat of contact.

First presentation of Touchless at Espacio Inestable in Valencia at march 25-28, 2021.

Monika Rühle _video creator and performer, is of German origin, she creates video art, documentaries, performances, as well as video-scenes, costumes and scenography for theater. She studied Fine Arts in Granada and Barcelona, ​​scenography (RESAD), graphic design (TAI), video editing and post-production (Imefe), documentary film (HDM El Submarino) and mapping (Mademotion) in Madrid, where she resides. Her videos have been broadcasted in Metropolis of TVE and screened in theaters, exhibitions and art and film festivals. Her documentary Diversos Lorcas, which makes visible a theatrical creation with people with intellectual disabilities, received second prize at the 2018 FECIDISCOVI International Film Festival. She was selected for the VII Creation Meetings in La Magdalena of the Alternative Theaters Network, where she met Anna and Vicky. Monika directs La Casa Colorada Producciones and works regularly with the theatrical group Contando Hormigas, which is made up of visually impaired, in 2018 she directed Sibyla with them, which was performed at the Reina Sofía Museum and various festivals. Monika participates at the exhibitions and events of several asociations as the international female art group EmPoderArte, Encuentros Artísticos Rurales EAR, Mademotion, AVAM and Extinction Rebellion.                                                 www.lacasacolorada.org

Vicky Trillo _generator of sound spaces and performer, is a singer, composer, performer and creator of sound environments, whose beginnings are outlined within blues, jazz, funk and soul. Since 2005 she has been researching composition processes based on improvisation for performing arts and audiovisual media. She has made works on soundscapes and as a performer with contemporary theater and dance directors such as Anna Albaladejo, Gabriel Ochoa, Natalia Fernandes, David Franch or Teatro de lo Inestable. In her latest project, her alter ego VickyLeaks, she seeks new forms of composition and writing, leading her to the decomposition of the musical structure based on the staff, where she seeks the essence and pure emotion that underlies musical expression. She has been a resident creator at the Creation Encounters in La Magdalena of the Alternative Theaters Network in 2017; resident at OMI International Arts Center (New York); and speaker at the Music Theater session at IETM Valencia Plenary Meeting. In 2013 he won the Open Music Award from the UNIA.    http://www.vickyleaks.net/

Anna Albaladejo _text generator and performer, has a degree in Dramatic Art from ESAD (Valencia) and a PhD in Literature and Theater from the UV, for years she has combined the practical and theoretical facets between two geographies: Spain and Mexico. My latest artistic works are articulated around research projects: the Obs-cenus project that I started in 2018 as a double creation residence (Encuentros de la Magdalena in the Network of Alternative Theaters and Creation Residences of the TEM. Valencia City Council), exploration that has resulted in the pieces SLIT (premiere 2020 TEM) and Odet y las OTRAS (premiere 2019. Unstable), as well as numerous workshops and actions to explore pleasure as a space for resistance; the Pobles en peu d'art project, which since 2017 has tried to relate intimate memory with collective history and the exploration of the urban environment, in collective site-specific proposals in the districts of my city known as Pobles de València; or the Des del Barri space that from TEM (Valencia) delves into collaborative creation dramaturgies such as Temptatives d’un neighborhood that remembers (2018) winner of the Audience Award at the Cabanyal Intim Festival 2018, or Exercicis per la llibertat (2019). Previously, in my facet of scenic creation, my latest works have explored the Audiovisual and Scene relationship in pieces such as Y si hablaran de nosotr@s (2015) or Visite Piso Piloto (2012), in addition to the autobiographical investigation that has always accompanied me, in works such as Reset and Castañuela (2010-2011) or Gest-Acción. Fragments of a pregnancy (2007). Always interested in opening creation to participation, both by performers and spectators, and in the possibilities of the Expanded Scene and the Documentary Theater. http://annaalbaladejocreacioninvestigacion.blogspot.com/


sábado, 20 de marzo de 2021

SLIT de Proyecto Obs-cenus en Espacio Inestable Valencia

SLIT, estrenada en el TEM (Valencia/España) en febrero de 2020, es una de las piezas en que se concreta la investigación del Proyecto Obscenus de la investigadora y creadora de Artes Vivas, Anna Albaladejo (Valencia 1976). El Proyecto Obs-cenus es una exploración performativa de biografías eróticas e identidades sexuales que proyecta el placer de las mujeres como una forma de resistencia.

SLIT es seguramente la pieza más personal del proyecto, concebida como una AUTOSEXOGRAFÍA de la creadora, un viaje por su MEMORIA ERÓTICA, íntima y familiar, un STRIPTEASE EMOCIONAL.  Una narración escénica y audiovisual que se formula a través de la palabra, el cuerpo, la música y el video en directo, revisitando los iconos del deseo y las sucesivas construcciones/represiones del imaginario de la sexualidad en nuestras sociedades.

Un trabajo personal e íntimo para el cual la creadora ha contado con un equipo de mujeres artistas que han contribuido con sus recursos: Monika Rühle en la Creación Audiovisual, Espacio escénico, Fotografía y Diseño gráfico, Vicky Trillo en la Creación Musical y Jrisa Lialia en la Creación Lumínica, además de Maribel Bayona o Raquel Fonfría que han colaborado en la dirección, las coreografías y el desarrollo técnico. Y muchas más colaboradoras puntuales que han aportado sus recuerdos, reflexiones e imágenes al proyecto.

Porque SLIT, mucho más que una pieza personal, pretende ser una propuesta de diálogo con las vivencias afectivas y sexuales de los espectadores/as para reapropiarnos de la historia del placer que nos pertenece a las mujeres y a todos los seres humanos.

Próximas funciones 25, 26, 27, 28 de marzo 2021 en Espacio Inestable de Valencia.

Ver teaser


Crítica de SLIT en la revista Redescénica




lunes, 1 de marzo de 2021

EmPoderArte presenta en Mieres Centro Cultural MCC la exposición ¡BRUJAS!

EmPoderArte AIMA (Asociación Internacional de Mujeres Artistas) presenta en Mieres Centro Cultural MCC, una exposición que reflexiona sobre los atroces asesinatos cometidos, entre los siglos XV y XVIII, donde 250.000 mujeres fueron asesinadas, acusadas de brujería.  

 EmPoderArte denuncia el genocidio perpetrado contra miles de mujeres en Europa en una exposición que, bajo el título ¡Brujas!, se inaugura el domingo 28 de febrero de 2021, y que se podrá visitar hasta el 26 de marzo en el MCC. 

¡BRUJAS! reúne la obra de 46 mujeres artistas que utilizan un amplio abanico en las disciplinas de las artes plásticas y audiovisuales, para denunciar y reflexionar a través de sus obras sobre la persecución, la tortura y la muerte de miles de mujeres. Ellas se negaron a seguir los mandatos del sistema capitalista-patriarcal y lucharon por defender su medio de subsistencia como curanderas y parteras. Esa historia sigue resonando con la persecución sistemática de las mujeres y sus elecciones vitales hoy día. 

EmPoderArte AIMA, asociación sin ánimo de lucro que desde 2014 realiza exposiciones dando visibilidad a las mujeres dentro del mundo del arte, reclama la igualdad entre hombres y mujeres, y denuncia la violencia machista. 

En la vídeocreación ¿Cuántas brujas somos? Monika Rühle quiere dar visibilidad a mujeres de todos los tiempos, libres, sabias, con inquietudes, pensadoras, comprometidas, creativas, activas, con personalidad y necesidad de expresarse, no sometidas al sistema imperante marcado por el poder masculino y machista. Las voces masculinas que se escuchan, enumeran todo tipo de sinónimos y descripciones de la palabra “bruja” a modo de insulto. 

lunes, 1 de febrero de 2021

mujeres y pandemia, exposicion virtual de EmpoderArte

EmpoderArte AIMA, presenta Mujeres y Pandemia, una exposición que da voz a las desigualdades que están atravesando las mujeres desde el inicio de la pandemia. 

Esta exposición reúne la obra de 34 mujeres artistas que hacen uso de las diferentes artes plásticas y audiovisuales para denunciar y reflexionar, a través de sus obras, sobre los efectos dispares que la pandemia sanitaria, social y económica que estamos atravesando, tiene en mujeres y hombres debido a los roles sexistas que siguen estructurando nuestras sociedades. 

Para ver el vídeo Confinamiento 01 de Monika Rühle pincha aquí!

Monika Rühle participa con una vídeo-creación titulada Confinamiento01, realizada durante el confinamiento donde una mujer en camisón se mueve sobre los muebles de un salón y juega con las diferentes estancias de una casa antigua. Ella pertenece a otra realidad y no se encuentra físicamente en esta casa, pero expresa muchos sentimientos encontrados, vértigo, ganas de bailar y un fuerte deseo de salir. Una manera de viajar sin desplazarse y explorar los diferentes estados psicológicos experimentados durante el confinamiento. Se trata de la propia creadora visual, Monika Rühle, que se había filmado a si misma, (durante el confinamiento por el Covid19), utilizando un croma en su estudio, montando esas imágenes después sobre fotos tomadas en una visita a un pueblo de Jaén años atrás. Monika Rühle idea, interpretación, realización y edición de vídeo, La Casa Colorada Producciones, 2020.

«La violencia contra las mujeres es un problema de salud pública global y una violación flagrante de los derechos humanos de las Mujeres». ONU.

La pandemia ocasionada por el Covid-19 ha empeorado las desigualdades a las que ya se enfrentaban mujeres y niñas en sus vidas cotidianas. En todas las esferas, desde la salud a la economía, pasando por la seguridad, el impacto del coronavirus se agrava para mujeres y niñas por razón de sexo, enfrentando considerables obstáculos para el ejercicio de sus derechos y la realización de sus potenciales. En estos momentos, los limitados avances en igualdad obtenidos durante el último siglo y principios de este, están en serio riesgo de retroceso debido a la profundización en las desigualdades ya existentes. Y no se percibe una voluntad clara por parte de los sistemas sociales, políticos y económicos, en dar respuesta al impacto en las vidas de las mujeres, a pesar que, como esta crisis ha visibilizado a gran escala, todas las economías del mundo son deudoras (ahora e históricamente), del trabajo esencial, invisibilizado e infravalorado de mujeres y niñas, de la mitad de la población de este planeta. Ellas mantienen la vida diaria de nuestras poblaciones.

Esta pandemia sanitaria, social y económica, afecta de forma diferente a mujeres y hombres debido a los roles sexistas que siguen imperando en nuestras sociedades, y en base a los cuales las mujeres son impelidas a asumir las tareas relacionadas con el cuidado y con el hogar, dando como resultado que el trabajo sanitario y de los servicios esenciales (trabajadoras del comercio, alimentación, servicios de limpieza, tareas del cuidado de menores y personas dependientes, etc) se encuentre altamente feminizado. E igual acontece con los sectores más afectados por la pandemia, como son el comercio, el turismo y la hostelería, que se hallan feminizados al tiempo que precarizados.

La pérdida de puestos de trabajo va a afectar principalmente a las  mujeres, suponiendo un claro retroceso en los avances logrados en su participación en el mercado laboral, limitando su capacidad para mantenerse así mismas y a sus familias, especialmente en los hogares encabezados por mujeres. Por otro lado, el teletrabajo se ha establecido sin atender al principio de corresponsabilidad y sin enfoque de género, lo que supone acrecentar las cargas, ya que además de atender la casa y hacer lo propio con menores y/o personas dependientes, han de trabajar desde ella. Asimismo, las que desempeñan sus funciones en entornos sanitarios se enfrentan a un espacio de trabajo en primera línea que implica una mayor exposición a la enfermedad, para ellas y sus familias. 

Todo esto supone un aumento mayor en mujeres que en hombres de malestar psicológico, traduciéndose en pérdida de optimismo, confianza, cambios de humor, mucho trabajo en el hogar, en los cuidados y las exigencias del teletrabajo, mayor porcentaje en insomnio, mayor inseguridad, etc.

El confinamiento masivo de la población ha supuesto también un aumento de la violencia de género en el hogar debido a la situación de aislamiento y convivencia obligatoria con el agresor, imposibilitando a las mujeres el acceso a los recursos de protección. Frente a ello destacar la iniciativa de los colegios de farmacéuticos de canarias que impulsaron la campaña Mascarilla-19, para que las víctimas de violencia de género en situación de riesgo pudieran pedir ayuda a través de las farmacias. Muchas comunidades autónomas se sumaron a esta campaña que saltó nuestras fronteras.

Nunca podemos olvidar que una sociedad para ser democrática, ha de ser igualitaria, y para ello se hace necesario la institucionalización del objetivo de la igualdad de género y la aplicación de la perspectiva de género en todos los procesos organizativos y de gestión de las políticas públicas. Es imperativo continuar implementando la Estrategia Dual, base de la Estrategia para la Igualdad de Género 2020-2025 de la Unión Europea, a la hora de llevar a cabo las acciones encaminadas a superar esta crisis, y que integra el mainstreaming de género con las acciones específicas a favor de las mujeres. El año del Covid-19 lo es también de Beijing+25, y ello no puede suponer una ruptura con todos los logros obtenidos. Desde Empoderarte aportamos nuestra visión, como mujeres artistas, sobre todo aquello que relacionado con la pandemia acontece a nuestro alrededor, de cómo está afectando la situación a nuestras vidas, a nuestros trabajos, a nuestros procesos creativos, en definitiva, a nuestro mundo, pero desde ese otro lado al cual siempre se ha intentado, y se sigue intentando, silenciar. Texto: Marián M.Cañizares

Del sábado 23 de enero al domingo 28 de marzo de 2021. Comisarias: Estefanía Ocampos, Marián M. Cañizares y Pepa Santamaría.

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