Actrices (por orden alfabético):
Mariu del Amo, Rocío Herrera, Chon Mayoral
Plástica escénica y Diseño Gráfico: Monika Rühle
Dirección y Dramaturgia: Ignacio Calvache
Sala Cuarta Pared, Madrid más información
En su primera edición (2022), el BELLOTA ART FEST Sierra de Guadarrama se desarrollará exclusiva y enteramente en Cercedilla, los días 12, 19, y 26 de noviembre, y cuenta con la financiación del Ayuntamiento de Cercedilla y con el apoyo y la colaboración de ADESGAM (Asociación de Desarrollo Sierra de Guadarrama) y el Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama.
El BELLOTA ART FEST Sierra de Guadarrama es un proyecto de La Dársena Cultura en Movimiento (en coproducción con el Teatro Montalvo), enmarcado dentro de la iniciativa En Red Sierra de Guadarrama, encaminada a programar en la zona actividades de los/as artistas miembros de la Red de Artistas La Dársena Sierra de Guadarrama, con el objetivo de apoyar a dichos/as artistas locales y dar presencia a dicha red, como tal, en la vida cultural del territorio.
Son 7 vídeo-creaciones y una coreografía para dos performers, elaborada a base de 32 movimientos inspirados en dibujos y grabados de Käthe Kollwitz. La coreografía evoluciona desde lo estático, dentro de un escaparate, a mayor expansión en el espacio escénico.
Es una pieza a transitar en dos atmósferas, combinando el blanco y negro como único universo, el carbón y la harina, como materiales básicos de la composición. Depresión, compromiso social y lucha.
El espacio sonoro homenajea a dos compositoras coetáneas de Kollwitz: Nadia Boulanger y Johanna Beyer y se entremezclan con extractos leídos de los diarios de Käthe Kollwitz en alemán.
K.Ä.T.H.E es una reflexión, desde nuestra experiencia y nuestro estado postpandémico, sobre la transformación de las cosas, los estados previos al arte, lo que lo genera o puede generar. Combinamos el movimiento con la creación, técnicas de dibujo y modelado con argumentos históricos y danza. El relieve que dejan las gubias con las huellas en el linóleo de un cuerpo buscando pan. El blanco y negro, el sonido de la piedra al ser tallada. El hambre, las manos implorando, la muerte abrazando a las mujeres. “Las simientes no se deben moler”. Así, en este proyecto se mezclan lo visual con lo biográfico, lo coreográfico con lo experimental, lo sonoro con lo histórico, lo espacial con los grabados y nuestras vidas con la genealogía de Käthe Kollwitz, Creamos con todo ello la atmosfera expresionista de entreguerras que mostró Käthe Kollwitz y que nosotras hemos sufrido en estos tiempos pandémicos.
Los diarios de Käthe Kollwitz nos guían en nuestra investigación. Utilizando la técnica de su denuncia en blanco y negro, proponemos unas imágenes que nos atraviesan mientras ofrecemos el contraste entre violencia y sufrimiento del siglo pasado y los pensamientos y realidades de este momento. Porque las colas del hambre existen, la brecha salarial también. Nos guían el feminismo, la cultura de los cuidados y lo comunitario, lo mismo que expresó en la mayoría de sus piezas Käthe Kollwitz. La transformación de los lenguajes pictóricos como formas de expresión de su momento cultural, social y político. Este concepto, que es parte esencial del hecho escénico, nos ofrece el marco temático para reflexionar sobre el cambio, el tránsito hacia lo diferente, el proceso y la transformación.
K.A.T.H.E nace como una performance adaptable a espacios no convencionales pero también a espacios escénicos al uso.
Käthe Kollwitz consiguió con su trabajo mostrar la realidad que estaba viviendo mucho antes de empezar la Gran Guerra, transformó y utilizó las herramientas que le ofrecían el dibujo y el grabado para mostrar su mundo en blanco y negro. Käthe Kollwitz dice “se me elogia por ser la artista del proletariado y la revolución y se me empuja cada vez con más fuerza a desempeñar este papel, no me atrevo a dejar de desempeñarlo”. Nosotras hacemos lo que podemos, lo que nos dejan, desde nuestros espacios, con nuestras herramientas, buscamos la esencia de lo transversal, la visibilidad de lo interno y la honestidad de nuestros cuerpos.
Monika Rühle sobre el proyecto K.Ä.T.H.E
Käthe Kollwitz, una artista alemana muy reconocida internacionalmente, creaba desde un fuerte compromiso social, sobre todo en blanco y negro, dibujos y grabados. Me inspiró mucho al comienzo de mi camino creativo, sobre todo con sus dibujos y xilografías. Y recientemente, después de pasar por diferentes lenguajes artísticos como la vídeo-creación, la performance y las instalaciones, he vuelto a grabar, a realizar linóleos de gran formato y a disfrutar de la crudeza y sinceridad del blanco y negro. La invitación de Mamen Agüera a participar en este proyecto vino en el momento preciso.
K.Ä.T.H.E me reconecta con mis raíces alemanas, con el expresionismo que me marcó en mis inicios y con un compromiso social esencial. Significa traer sus dibujos a la actualidad y comprobar que siguen vigentes y conmueven igual como hace 100 años. Su lucha a favor de los más desfavorecidos y en contra de la guerra es de actualidad y nos inspira ahora. En plena pandemia somos conscientes de nuestra vulnerabilidad como especie y del sufrimiento causado por la explotación sin límites de un sistema cruel. Los conflictos bélicos no cesan y provocan migraciones a menudo con efectos fatales, causando muerte, miseria y desesperación. Käthe Kollwitz la retrataba muy bien y no paraba de llamar la atención sobre las mujeres y sus hijos e hijas, las que no luchaban en el frente, pero sufrían la guerra y el hambre.
Mamen Agüera sobre el proyecto K.Ä.T.H.E
Cada vez que visitaba La Pietà de Käthe Kollwitz, monumento que recuerda a todas las "víctimas de la guerra y la dictadura" en el edificio de la "Die Neue Wache" Berlin, se me removía el alma. ¿cómo poder expresar tanto en una sola pieza? Mi búsqueda continua para conmover, bailando las biografías de las mujeres que nos precedieron me ha llevado a situarla en el inicio de todo. Sus manos se mueven bailando, tocando, mostrando. Todo lo que nos atraviesa a las mujeres está en sus obras, el hambre, la maternidad, la sororidad, la valentía, el dolor, el compromiso.
Durante las IX Jornadas de Teatro y Feminismos de la Resad, que tuvieron lugar el 14, 15 y 16 de febrero de 2022 en Madrid, tuvo lugar este encuentro sobre la trayectoria de Monika Rühle, artista visual, diseñadora teatral, vídeo-creadora, performer, ecofeminista y activista.
Monika también había tratado ampliamente el tema central de las jornadas "Maternidades", tanto en lo personal, como en lo colectivo. En su proyecto "Compartir nuestra piel" entrevistó a otras artistas que habían sido madres, sobre su experiencia y dificultades en compaginar su creación artística con la maternidad.
En su conversación repasaron también sus 30 años de actividad artística relacionada con las artes escénicas: la escenografía, el diseño de vestuario, la vídeo-escena, la performance y puesta en escena.
¿Y si una mujer normal, por ejemplo una actriz ciega que vive en Lavapiés, se viese convertida en reina? ¿Cómo gobernaría? ¿Qué haría para cambiar la vida de la gente?
Ésta es la situación que vive Segismunda, ésta es la responsabilidad que cae sobre sus hombros. A partir de aquí jugará a conocer el oficio de reina justa, transitando entre la realidad y la teatralidad, entre el verso y la prosa, entre lo masculino y lo femenino, entre lo personal y lo universal. Dos personajes le acompañarán: Clotalda será su guía, Rosaura su pasión.
Segismunda, como actriz y mujer, está dispuesta a romper todos los límites, no le gustan las medias tintas, luchará por las utopías. Pero tal vez la principal batalla a la que tendrá que enfrentarse suceda dentro de sí misma.
Dirección y dramaturgia: Ignacio Calvache, Versión libre de "La vida es sueño" de Calderón de la Barca. Intérpretes: Mariu del Amo, Rocío Herrera y Eduart Mediterrani. Vestuario, escenografía, videocreación, diseño gráfico e iluminación: Monika Rühle. Música: Rocío Herrera. Fotografía y maquillaje: Lucas Calvache. Asesoría de movimiento: Almudena Rubiato.
Viernes 27 de noviembre, 21 horas, Sala Tarambana, Madrid dentro del V Festival Visibles.
Apunto aquí unas breves reflexiones sobre los conceptos de mi trabajo escenográfico en la obra teatral Instrucciones para caminar sobre el alambre de la Compañía Cuarta Pared, dirigida por Javier Yagüe.
Una obra teatral que habla sobre la explotación y auto-exigencia dentro de nuestro capitalismo neoliberal y los daños psicológicos que ello conlleva, tiene que mostrar una coherencia no solo de diseño, sino también en el uso de recursos que se emplea. La opción de usar materiales reciclados como las cajas de cartón, bicicletas viejas y chatarra, propone y reivindica la sostenibilidad dentro de la industria cultural.
Para una pieza que requiere de tantos espacios diferenciados con un ritmo tan acelerado, se resuelven las múltiples transformaciones con elementos polivalentes sobre ruedas que encajan unos encima de otros, se transforman en segundos o bien funcionan creando lugares diferentes.
Mediante la utilización de cada vez más elementos que se van quedando por medio, se crea un desorden y una situación cada vez más caótica y agobiante que hace visible lo insostenible de nuestra sociedad actual, que lleva a las personas al abismo.
Diseño y realización escenografía y vestuario Monika Rühle
Revista Duende Crítica en El País
"Instrucciones para caminar sobre el alambre" vuelve a nuestra sala durante 4 semanas en octubre y noviembre de 2020. La segunda obra de la Trilogía Negra, la segunda pieza después de Nada que perder (2015), fue estrenada en febrero pero su permanencia en cartel se vio interrumpida por la crisis sanitaria. Reestrenamos esta obra con un aforo muy reducido pero con más ganas que nunca, pues cada vez cobra más sentido representarla. ¿Dónde está Alba? Su hermano y su madre han denunciado su desaparición y ayudan en la reconstrucción de sus últimos días para poder encontrarla. La investigación nos llevará a conocer a una familia que lucha por sobrevivir en un mundo invivible. Un mundo que lesiona sus cuerpos, que desequilibra sus mentes, que les empuja a la resignación. Un mundo bipolar en el que intentan encontrar su lugar. Alba estaba segura de haberlo encontrado, pero ahora Alba ha desaparecido.
COMPAÑÍA CUARTA PARED
Dramaturgia: QY Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe, Intérpretes: Marina Herranz, Rosa Manteiga, Javier Pérez‐Acebrón, Guillermo Sanjuán, Aitor Satrústegui, Diseño y realización de escenografía y vestuario: Monika Rühle, Diseño de iluminación: Mariano Polo, Apoyo de realización de escenografía: Richard Vázquez, Fotografía: Sandra Nieto, Irene González Lara, Contenidos audiovisuales: Alba Montañés, Producción, Comunicación y Distribución: Cuarta Pared, Producción ejecutiva: Elvira Sorolla, Dirección: Javier G. Yagüe
TEATRE EL MUSICAL 21 y 22 fe febrero 2020
Bajo el título MAESTRAS VIVAS: APORTACIONES DE LAS MUJERES EN LA PEDAGOGÍA TEATRAL (1920-2020) se presentan las VII Jornadas Internacionales de Teatro y Feminismos organizadas por el GRUPO DE INVESTIGACIÓN DE FEMINISMOS Y ESTUDIOS DE GÉNERO DE LA REAL ESCUELA SUPERIOR DE ARTE DRAMÁTICO DE MADRID durante los días 12, 13, 14 de febrero de 2020.
Ahora la Compañía Cuarta Pared estrena Instrucciones para caminar por el alambre, la continuación de su Trilogía Negra.
¿Dónde está Alba? Su hermano y su madre han denunciado su desaparición y ayudan en la reconstrucción de sus últimos días para poder encontrarla. La investigación nos llevará a conocer a una familia que lucha por sobrevivir en un mundo invivible. Un mundo que lesiona sus cuerpos, que desequilibra sus mentes, que les empuja a la resignación. Un mundo bipolar en el que intentan encontrar su lugar. Alba estaba segura de haberlo encontrado, pero ahora Alba ha desaparecido.
Diseño de escenografía y vestuario: Monika Rühle
La Red presenta su sexto Boletín de Artes Escénicas e Inclusión Social el 15 de octubre 2019.
web Sibyla
